Galería Hilario Galguera presenta en Casa Hotbook El orden y el pulso, una exposición colectiva de cinco artistas que se puede ver hasta el 20 de diciembre.
La idea de partida es sencilla y difícil de sostener: la geometría que ordena el universo y la fuerza viva de la materia no son rivales. Se necesitan. Sin estructura, el pulso no tiene dónde apoyarse, y sin pulso, la estructura se queda quieta. La muestra pone esa idea a prueba con artistas de cuatro países que trabajan con materiales muy distintos.
El recorrido va de lo más construido a lo más intuitivo, con Quirarte + Ornelas, Sebastián Barrandeguy, Lea Mugnaini y Antonia Markakis. MILENIO habló con ellos sobre sus obras, sus títulos y las ideas que las sostienen.
Quirarte + Ornelas (México)
—¿Cómo deciden si una idea va a ser escultura, pintura o impresión?
Todas nuestras piezas están conectadas entre sí, y nuestra obra tiene un carácter cíclico. Casi siempre empezamos experimentando con los materiales en lo tridimensional, así que lo primero es la escultura. Después llevamos lo que surgió a la bidimensión, pensando desde la tridimensión. Abordamos la pintura con el conocimiento de haber construido el objeto. El medio de cada pieza depende de la necesidad de responder las preguntas que van surgiendo.
—Sus títulos vienen de las matemáticas y del lenguaje. ¿Cómo los eligen?
Primero experimentamos y desarrollamos las piezas. Ya con el proyecto avanzado, buscamos un concepto que se acerque a lo que pasó. Muchas veces las matemáticas o el lenguaje nos dan la descripción exacta. En Iteración repetimos y modificamos formas de proyectos anteriores, y solo después vimos que el concepto matemático de iteración era justo lo que había ocurrido. Los conceptos los buscamos juntos.
—¿Qué significa que una imagen sea habitable? ¿Y por qué las piezas Habitable son pequeñas?
Buscamos generar espacios que se recorren con la mente. La diferencia con la arquitectura es que ella nos contiene literalmente, y en nuestra obra el recorrido es un ejercicio mental. En las piezas Habitable combinamos piedras encontradas con PVC termoformado a mano. El PVC, plano de origen, adquiere volumen alrededor de cada piedra y la sostiene sin ser evidentemente un espacio. La piedra habita ese material, y la escala de cada pieza la determina su tamaño.
—Trabajan juntos desde 2004. ¿Dónde entran el azar, el error o la mano de cada quien?
Anabel tiene trazos más limpios y precisos, y Jorge más gestuales. Al combinarlos se acentúan y se integran en una sola pieza. Además, nos interesa hacer las piezas sin boceto previo. Tenemos una idea de hacia dónde queremos llegar, pero dejamos que sucedan durante la ejecución.
Sebastián Barrandeguy (Uruguay)
—¿Cómo empieza una pieza tuya y cómo sabes que ya terminó?
Empiezo con una idea que paso al dibujo y de ahí a la placa de madera. Al ensamblar puedo modificar la idea original para generar espacios, desfases o movimientos. Cuando el volumen se despliega surgen situaciones que pueden pedir cambios. En ese ir y venir con la obra encuentro el punto donde siento que ya está terminada. A veces es simple, a veces arduo. Es como si la obra misma te lo indicara.
—Tus títulos parecen códigos, como XO 2025 014. ¿Por qué no les pones un nombre?
La mayoría de mis trabajos se basan en topografías o lugares que investigo. No poner su nombre en el título es no condicionar al espectador. Quiero dejarle primero espacio a la abstracción, para que dialogue más libremente con la obra.
—Vienes del Taller Torres García y del MADI. ¿Qué pasa con esa herencia desde que vives en Ciudad de México?
Entiendo el lenguaje como un proceso que no termina. Lo veo como un sistema que se va ampliando. El vínculo con los movimientos geométricos del sur lo siento parte de mi genética. El entorno es un componente muy importante para mí, y vivir en México se suma a esa formación.
—Esta exposición pone el orden frente al pulso. ¿Dónde está el pulso en tu obra?
He pasado de abordajes más aritméticos o concretos a búsquedas más orgánicas y evolutivas. En el intento de dialogar con la naturaleza también juegan la percepción y las búsquedas formales que vienen de la intuición humana. Creo que ahí está el pulso, lo vital.
Lea Mugnaini (Italia)
—Trabajas con hoja oxidada. ¿De dónde viene ese interés?
Empezó en Florencia, cuando el dueño de una tienda de materiales de arte me regaló una caja de hoja de plata vieja que se había oxidado con el tiempo y ya no se podía vender. Me fascinó el material y, sobre todo, el efecto visible del tiempo en su superficie. Desde entonces la oxidación sigue presente en mi práctica, no solo en el papel, también en muchas esculturas. Me interesa que los materiales sigan viviendo y transformándose más allá de nuestra intervención. El tiempo se vuelve un elemento activo en la obra y trae una dimensión que no se puede controlar del todo.
—Tus títulos mezclan idiomas, y Waters va en plural. ¿Por qué?
Crecí en Florencia, viví en Berlín y ahora trabajo en Ciudad de México, así que los idiomas son parte natural de mi día. Los títulos son una extensión de la obra: a veces agregan una capa de significado o crean una tensión con la pieza. En Waters elegí el plural porque sugiere varias manifestaciones del agua y no un elemento único.
—Hablas de inteligencia vegetal. ¿Cómo se vuelve eso una forma concreta?
Mi interés no es representar la naturaleza, sino investigar cómo distintas formas de vida coexisten, se comunican y se influyen entre sí. Las formas resultantes suelen ser ambiguas, entre lo vegetal, lo corporal y lo imaginario. Los medios no son maneras separadas de pensar, sino expresiones de una misma investigación.
—¿Qué cambió en tu obra al vivir entre Berlín y Ciudad de México?
El cambio más grande llegó al mudarme a Ciudad de México. Aquí la naturaleza tiene una presencia enorme y convive con un paisaje urbano denso, y eso me hizo replantear mi idea de forma y espacio. La arquitectura siempre fue una especie de contenedor para mis formas, pero cada vez se parece más a un esqueleto interno, una estructura desde la cual pueden crecer. La geometría y el movimiento orgánico no son fuerzas opuestas, sino parte de un mismo sistema.
Antonia Markakis (Canadá)
—¿Cómo decides qué objeto entra a la pintura y en qué momento aparece?
Empiezo con una idea de cómo va a ir la pintura y siempre se transforma en algo distinto, algo mejor de lo que habría imaginado. A veces peor, ¡jaja! Dicen "cuando haces planes, Dios se ríe". Es una buena descripción de mi proceso.
—Tus títulos son muy distintos entre sí. ¿Qué significa Sagapw, y cuándo le pones título a una obra?
Todos están unidos por un hilo común: el viaje interno de ser humano. Sink or Swim habla de esos momentos en que sobrevivir se vuelve una elección. Fragments explora las partes de nosotros que se dispersan con la experiencia, el desamor y el cambio. Freedom es aceptar quiénes somos y soltar la necesidad de ser alguien que no somos. No son piezas separadas de una historia, son distintos estados del ser, entre desmoronarse y volver a encontrarse. Cuando pinto, el título no está en mi mente. Simplemente llega, a veces durante, nunca antes. Sagapw, en griego, significa "te amo".
—¿Qué significa para ti la luz que sale del caos?
La vida es caótica, seamos honestos. Incluso en los momentos más oscuros, hay que recordar que existe una luz al final de cada túnel. No tener formación formal me enseñó que si tienes un sueño y crees en ti, puedes lograr lo que sea. Respeto muchísimo la educación formal, pero hay aprendizajes que no se dan en un salón: la intuición, la vulnerabilidad, la experiencia vivida y el valor de crear sin saber exactamente a dónde vas.
—¿Tu pintura desafía el orden, lo completa o sigue uno propio?
No trato de imponerle un orden al lienzo. Respondo a algo que siento, muchas veces antes de entenderlo del todo. No veo la intuición como un reto al orden. Creo que revela otro tipo de orden, uno que no siempre se puede explicar con matemáticas. Quizá el cuerpo entiende algo antes de que la mente pueda decirlo.
PCL
