Versátil creador ubicado principalmente en el movimiento del artpop, este artista de amplio rango exploró la pintura, la fotografía, la escenografía, el fotomontaje, el grabado y una amplia diversidad de materiales para sus diversas producciones, desde los más tradicionales hasta herramientas de naturaleza digital, pasando por técnicas innovadoras y artefactos tan inusuales como el fax y otros más comunes como la cámara lúcida y posteriormente el I-Pad. Fue un gran retratista en tiempos de abstracciones, si bien su apuesta figurativa expandió los límites del realismo, experimentando con la iluminación, los colores y la composición, como también lo plasmó en bodegones y paisajes.
Nacido en Bradford, Yorkshire, en donde empezó sus estudios de arte y volvería para convertir su tierra en uno de los motivos de su obra posterior, David Hockney (1937-2026) se convirtió en uno de los artistas más conocidos en el mundo, tanto en el ambiente de las subastas como de las exposiciones. Cuarto hijo de cinco, con padre contador y madre de rígidas costumbres, estudió también en el Royal College of Art, en donde se empezó a inclinar por ciertas influencias de carácter expresionista, incluyendo apuntes sobre la identidad homosexual, como en We Two Boy Together Clinging (1961), retomando un poema de Walt Whitman. En estos años iniciales empezó a trabajar con el grabado, como se advierte en la litografía Autorretrato (1954), tema recurrente, para después trabajar con Aldo Crommelynck, impresor de Picasso, y con Ken Tyler, probando suerte con el papel líquido.
Sus paisajes tempranos pueden referir a zonas urbanas, como Bolton Junction, Eccleshill (1958) o a rurales, representada por la sugestiva Fields Eccleshill (1956), para de ahí transitar a obras de enfoque más experimental como Flight into Italy - Swiss Landscape (1962) y otras más que yuxtaponían elementos urbanos a manera de collage. Se mudó a Los Ángeles a mediados de los sesenta y se volvió docente en distintas instituciones, si bien anteriormente estuvo un tiempo en Nueva York, donde realizó una serie de 16 grabados sobre El progreso del libertino (1963), resignificando la historia del pintor inglés William Hogarth y aplicando a su propia construcción identitaria como artista gay con todo y el cabello pintado de rubio. Después se encargó de la escenografía para la ópera de Stravinsky en 1975 alrededor de este argumento, músico del cual escenificó un tríptico.
Fue en estos años californianos cuando empezó a pintar sus famosos cuadros de albercas, ya sea vacías o con personas pero siempre con un dejo de soledad, de cierto abandono, a pesar de los vivos colores utilizados a partir del acrílico que se mezclaba con una sensación de ensueño y que contrastaba con el gris londinense, de donde venía. Picture of a Hollywood Swimming Pool (1964) y a Bigger Splash (1967) se convirtieron en referentes ineludibles de su propuesta, volviendo a las piscinas en espacios de fuerte simbolismo, ya sea en términos del paso del tiempo en plan de ocio o de cierta ruptura, como esa salpicadura de agua tan característica, cual elemento que transitaba de la quietud a la expectativa no del todo explícita, como se aprecia en My Pool and Terrace (1983), cambiando el estilo colorido y dejando que las líneas actúen de manera sugerente para crear texturas hipnóticas.
En Portrait of an Artist (Pool With Two Figures) (1972), conectó con sus intereses de las albercas y del retrato de personas, entre las que destacaron familiares, parejas, amigos, colegas, empleados y él mismo, representado múltiples veces desde distintas perspectivas: una de sus obras más notables de esta vertiente es Mr. and Mrs. Clark and Percy (1971), retrato de una pareja de diseñadores en su departamento con todo y gato, que en cuya boda el pintor fungió como padrino. Su interés por enfatizar la luz y reflexionar sobre los efectos de ella, trascendió del lienzo a la composición fotográfica, como se deja ver en Sun on the Pool Los Angeles (1982), collage integrado por varias fotos polaroid que conforman, justamente, una alberca, su espacio común.
Paseo por los bosques lances operísticos
Hacia la segunda mitad década de los noventa, viajó con mayor frecuencia a su tierra natal para visitar a su madre enferma y ahí empezó a pintar los espacios locales, particularmente los entornos naturales, primero recurriendo a su memoria infantil y después con algunos otros apoyos gráficos, a partir del uso de la acuarela, como se aprecia en Midsummer: East Yorkshire (2003-2004) o al óleo, tal como se plasma en Garrowby Hill (1998), de colores imposibles. De estas visitas se desprendió la monumental pintura Bigger Trees Near Water (2007), integrada por 50 lienzos individuales para sumar un total de 460 cm × 1220 cm, combinando la creación al arte libre y la fotografía digital, en el que muestra un doble plano de árboles entre sicómoros y narcisos con un camino a la izquierda y un par de casas a la derecha, brindando una especie de pausa antes de la llegada de la primavera: como esperar en relativa calma la transformación. Famosos son sus cuadros de esos parajes, incluyendo los túneles de árboles como idea recurrente.
A principios de este siglo, se realizó una retrospectiva de su propuesta fotográfica en la que se incluyeron obras con cierto aliento fragmentario como Prehistoric Museum Near Palm Springs (1982), mientras que el retrato y el paisajismo estuvieron plasmados en Henry Cleaning his Glasses Los Angeles (1982) y en Pearblossom Hwy., del 11 al 18 de abril de 1986 no. 1 y no. 2, integrado por múltiples impresiones de la carretera en medio de la nada, además de la captura de la cotidianidad como en David Hockney y Karen Kuhlman Looking at Photographs of Yorkshire (1993).
Estos fotomontajes que empezó a realizar desde los años ochenta y siguió trabajando en ellos a lo largo de los años, consistían en uniones de fotografías sobre un mismo paisaje o persona pero desde distintas perspectivas, acercándose a un aliento cubista, como también se advierte en el caso de My Mother, Bolton Abbey (1982), de narrativa orientación.
Otra de sus vertientes realizadoras fue el vibrante diseño de escenografías, particularmente de ópera. Colaboró el Royal Court Theatre para Ubu Rey en 1966 y con el Festival de Ópera de Glyndebourne en 1975 para la puesta en escena de La flauta mágica de Mozart en 1978; la Metropolitan Opera de Nueva York le solicitó su colaboración para tres obras en 1980 de espíritu francés: Parade, ballet de Satie; Les Mamelles de Tirésias de Poulenc y L’enfant et les Sortilèges de Ravel. Después revisitó nuevamente a Stravinsky, a Wagner para Tristán e Isolda en 1987 con el Centro Musical de Los Ángeles; Turandot de Puccini y hasta una Operalia con Plácido Domingo integrada por una docena de arias que se realizó en la Ciudad de México en 1994.
David Hockney nos dejó un nutrido y ecléctico corpus artísticos que puede ser apreciado en diversos espacios, sobre todo gracias a la gran fama que alcanzó en vida, incluso convirtiéndose en uno de los artistas más cotizados en vida. Las múltiples exposiciones que se realizaron durante la segunda década de este siglo y todavía su producción tardía, lo confirmaron como un buscador y reformador perpetuo, enfocando su curiosidad en elementos, estilos, materiales y artefactos específicos que lo volvieron un incansable creador hasta su muerte, acaecida en Londres, el 11 de junio del 2026. Nos quedan sus vigorosas y apasionantes obras pictóricas –entre bodegones, paisajes, personas– y sus incursiones por los múltiples medios convertidos en vehículos para la innovación.
