El artista argentino Zeta Yeyati trabaja con color, objetos usados y gestos simples para construir una obra que busca provocar emoción y cercanía.
Músico de formación y artista visual por desarrollo paralelo, Yeyati articula ambas prácticas en un lenguaje propio que define como “rock pintado”, donde la improvisación, la energía y el contacto directo con el espectador ocupan un lugar central.
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“A través de la música aprendí a manejar la emoción, y eso hoy lo hago también con el color”, dice Zeta Yeyati, quien durante años tocó saxofón en bodas y fiestas populares.
El objetivo, cuenta, era generar alegría y movimiento, una intención que trasladó de manera natural a la pintura.
“Mi arte busca acercar a la gente al arte, generar alegría y movimiento. Por esta razón incorporo timbres y objetos que pueden tocarse. Las obras están pensadas para producir bienestar, del mismo modo que lo hace la música”.
El uso de materiales reutilizados es una constante en su práctica. Yeyati trabaja con telas antiguas, metales, superficies gastadas y objetos usados, atraído por la historia que contienen: “El desgaste habla de la vida del material y de su historia. Me interesa conservar esa memoria y esa emoción”.
Para ello utiliza técnicas simples como cortar, pegar o hacer frottage. “Con este último me llevo la huella de los lugares por donde paso: una vereda, una chapa, una tela de mi abuela. Todo eso entra en la obra como una marca del tiempo y del recorrido”, relata.
Una parte significativa de los materiales que utiliza proviene de otras personas. “Mucha gente me regala objetos queridos que no quiere tirar ni vender”, dice Yeyati, quien cuenta que esos objetos llegan cargados de afecto.
“Esos objetos ya vienen cargados de amor y de historia, y por eso las obras terminan siendo tan entrañables. Mi proceso es intuitivo y guiado por las formas que encuentro en cada elemento”.
Necesidad personal
En cuanto a la composición, el artista explica que trabaja a partir de fórmulas personales que le permiten mantener una identidad reconocible.
“Busco equilibrio, diagonales, tensiones en el plano y en el espacio”, dice, y aclara que, aunque los materiales cambien, la estructura de la obra conserva una coherencia visual. El proceso, agrega, es lúdico y no responde a esquemas rígidos.
Frente al contexto de hiperproducción digital, Yeyati afirma: “Yo hago arte analógico”, aunque reconoce que su obra dialoga con lo contemporáneo a través de animaciones y ejercicios de realidad aumentada desarrollados a partir de sus piezas.
“Evoluciona por necesidad personal, no por estar a la moda. La emoción que busco generar no responde a una época específica. La alegría y la sonrisa no tienen época”, afirma.
Un elemento recurrente en su obra es la representación de los ojos, que el artista utiliza como punto de contacto con el espectador. “Los uso como una puerta de acceso entre la obra y el espectador. Una experiencia personal vinculada a una operación ocular se integró de manera natural a mi lenguaje visual. Este motivo genera curiosidad y conexión en públicos de distintos países. Como todos tenemos ojos, no hace falta explicar demasiado”.
Sobre el sentido de la reutilización en su trabajo, Yeyati comenta: “No creo que a través de mi arte pueda modificar la conducta de la gente de manera directa”, comenta, aunque sostiene que su obra habla de la esperanza y del valor de rescatar objetos con historia. “Darles una segunda vida es también honrar eso”, dice en referencia a la memoria y al afecto contenidos en los materiales.
Al pensar en la experiencia del espectador, Yeyati resume su intención con claridad: “Que se dé cuenta de que el arte puede causar emociones, sensaciones y un impacto real”, dice.
Para el artista, la obra debe provocar algo interno, “como un rock pintado”, capaz de mover y conectar, más allá de explicaciones o discursos cerrados.
Yeyati ha participado en exposiciones y ferias en Argentina, Estados Unidos, España, México, Uruguay y Paraguay.
PCL
