El racismo y sus problemas sociales fueron transformados en arte y los trabajos al respecto se exponen en la galería Kurimanzutto de la Ciudad de México. Never Free to Rest —Nunca libre para descansar— es el nombre de la muestra conformada por 14 piezas de seis artistas internacionales, quienes de alguna forma han querido presentar los sistemas de control a los que la raza negra ha estado sujeta a lo largo de la historia.
Con casi 20 años, la galería Kurimanzutto, impulsada por el artista conceptual Gabriel Orozco (Veracruz, 1962), tiene la propuesta de exponer medios más frescos, donde la imaginación conlleve a una libertad que, pese a ser utópica, es justa. Es por esto que en esta ocasión montó esta exposición que concluirá el 16 de diciembre próximo.
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El título Never free to rest nació bajo la ideología de James Baldwin (Nueva York, 1924- Francia,1987), quien fue uno de los novelistas, críticos sociales y activistas de los derechos civiles más prominentes de Estados Unidos en el siglo XX, que con su frase "En América era libre solo en la batalla. Nunca libre para descansar" formó parte del documental nominado a un Óscar y ganador de 12 premios de cine internacional "I am not your negro" (Yo no soy tu negro).
En la muestra, el conjunto de artistas toman su arte personal para expresar la lucha de su condición de vida y a la vez mantienen su creatividad ante la posición de Baldwin respecto al sometimiento, la vitalidad, la entrega y la firmeza del derecho a la vida y el trabajo digno e ingenioso por medio del arte.
La pieza de mayor dimensión en la sala consta de un conjunto de seis boyas gigantes creadas por Mark Bradford (Los Ángeles,1961), uno de los artistas más celebrados de la actualidad por sus enormes y sensoriales collages, que evocan los problemas del racismo y la pobreza en la actualidad, así como el romanticismo de la guerra civil.
El trabajo de Bradford se caracteriza por su colorido. Los remanentes de los carteles callejeros comerciales a menudo son su principal enfoque. Sus obras se basan principalmente en un proceso de sumar y restar, rasgar, superponer y lijar de nuevo, y así crear pinturas en capas de collage que expresan la energía y la poesía de la vida en la ciudad, especialmente en Los Ángeles.
Bradford ha presentado su trabajo en exposiciones importantes como el Hirshhorn Museum y el Sculpture Garden en Washington, el Rockbund Art Museum en Shanghai, el Whitney Museum of American Art en Nueva York, entre otras. Este año representó a Estados Unidos en la 57 Bienal de Venecia, donde causó sensación.
Kara Walker (California 1969) es conocida por sus siluetas casi a tamaño natural de narrativas de esclavos, que exploran las relaciones raciales y su historia a través de medios pictóricos volubles y conmovedores.
Sus temas, a menudo son escenas de esclavitud, conflicto o violencia, sin embargo también ilustra la simplicidad.
Walker se basa en el humor, su intención es meramente fabulatorio y hermoso. A su obra se le conoce por la investigación sincera de raza, género, sexualidad y violencia a través de siluetas y figuras que han aparecido en numerosas exposiciones en todo el mundo. La creadora fue reconocida con el Premio al Logro de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur en 1997.
Su trabajo se puede encontrar en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Museo de Arte Moderno, de Nueva York y la Tate Gallery, Londres, entre otros recintos.
Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) se caracteriza por sus impactantes pinturas de hombres y mujeres negros, que ella crea, es decir, no existen, sin embargo el contexto en los que se encuentran plasmados invocan temas de identidad racial afroamericana.
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El ingenio de las pinturas figurativas de Yiadom-Boakye, egresada de la Royal Academy Schools (2003), da como resultado la visibilidad de la raza negra, mismas pinturas en las que no existe un boceto preliminar, sino que improvisa en el lienzo, generalmente termina una pintura en 24 horas.
Su obra forma parte de colecciones institucionales como Tate, Victoria and Albert Museum, y el Arts Council Collection en Londres, por mencionar algunas.
La obra de Rodney McMillian (Carolina del Sur, 1969), quien ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Real Academia de Londres, también abarca la escultura, la instalación y el rendimiento. Incorporando y desafiando la noción de arte como crítica social e histórica, los trabajos, ensayos y entrevistas examinan cuestiones de raza, identidad y comercio en la sociedad contemporánea.
McMillian se distingue por representar en su obra objetos personales con una connotación social e historia simbólica.
El trabajo de Charles Gaines (Charleston, 1944) tuvo un enfoque distinto a partir de 1989, cuando plasmó explícitamente cuestiones de raza, clase y sistemas creados por el hombre de poder y marcados por las desigualdades, que también afectan la forma en que se ve la sociedad.
Su obra en Kurimanzutto Librettos: Manuel de Falla/Stokely Carmichael, #14, #18, #19, 2016 consta de tres manifiestos y partituras de la ópera española La vida breve, del compositor Manuel de Falla, la cual es una trágica historia de amor condenada por las costumbres sociales y las diferencias de clase.
La combinación entre música y texto forma una balada para la historia perdurable de las desigualdades raciales, así como la capacidad del arte para proporcionar una salida emocional. Gaines se destaca por estudiar la percepción, la expresión y el pensamiento especulativo de un individuo.
Gaines presentó la exposición individual Notes on social justice en la galería Paula Cooper en Nueva York. Sus creaciones forman parte de colecciones en el Hammer Museum y el Museum of Contemporary Art en Los Ángeles, así como del Museum of Modern Art en Nueva York, entre otros.
La obra de Julie Mehretu (Etiopía, 1970) es un relato de flujos, energías, atmósferas, vibraciones, dobleces y despliegues virtuales. Su trabajo se basa en la sucesión física de imágenes.
La visión de la artista lleva un diálogo con la historia del arte abstracto, del constructivismo al futurismo, donde se bosqueja interrogantes del mundo contemporáneo y su relación entre la utopía y la contemplación.
Julie Mehretu, quien estudió en la universidad Cheikh Anta Diop en Dakar, ha sido premiada con el Berlin Prize Fellowship (2007) de la American Academy en Berlín, además de que . ha expuesto en importantes recintos como el Museum of Modern Art en Nueva York, Detroit Institute of Arts Museum. Además, ha participado en la 15 Bienal de Sidney por mencionar algunos.
Never Free to Rest estará vigente hasta el 16 de diciembre en la galería Kurimanzutto, ubicada en Gobernador Rafael Rebollar 94, col. San Miguel Chapultepec, en la Ciudad de México, de martes a jueves de 11 a 18 horas, y viernes y sábados de 11 a 16 horas.
FM
