Michel Carbonara (Puebla, 1999) presenta Todxs bienvenidXs, una pieza de gran formato instalada bajo un tragaluz en Bías Vilerm, espacio cultural en Gobernador José Gómez Cortina 3, San Miguel Chapultepec.
La obra, producida in situ con la técnica de collage textil traslúcido desarrollada por el propio artista, forma parte de la exposición colectiva Juguemos todxs, que estará abierta hasta el 24 de julio. La obra, sin embargo, permanecerá en el espacio hasta inicios de 2027.
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La pieza y la exposición comparten un mismo espíritu. ¿Cómo fue que la pieza terminó formando parte de esta muestra?
El curador, Luis Espinosa, ya había trabajado conmigo antes, y en una visita de estudio me platicó la idea general de la expo: juntar dos sucesos importantes que coincidían en el mes, el Mundial y el mes del Orgullo. De ahí, platicando y rebotando ideas, nace la pieza desde la idea de que en la ciudad todos son bienvenidos: por un lado por el lado cultural, por recibir gente de tantos países, y por el otro porque la Ciudad de México se vuelve el epicentro de la comunidad LGBTI a nivel nacional, un punto de encuentro con mayor apertura que en muchas provincias.
¿Qué técnica utilizaste?
Es una técnica propia que yo desarrollé, un collage textil traslúcido. Es organza y gasa en su mayoría, como 90 por ciento de la composición, telas pegadas por ambos lados en un lienzo transparente, mezcladas entre capas con acuarela, aerosol, a veces tiño las telas o imprimo fotografías sobre la misma tela. Van montadas libres en la ventana, en un espacio de luz o en su caja de luz. Me tomó unos tres o cuatro años de prototipos y pruebas y errores llegar a solidificarla, a partir de instalaciones de gran formato que hacía desde la universidad con celofán y acetatos, inspirado en artistas como Olafur Eliasson y Carlos Cruz-Diez. Esta es la primera pieza que logra llevar la técnica textil al gran formato, algo que traía en mente desde el inicio. Mide 2.5 por 2 metros y la hicimos en un mes con un crew de dos o tres personas.
¿Por qué elegiste Bías Vilerm para presentar la pieza?
Sebastián Guillerm y Luis Espinosa inauguraron el espacio en febrero durante Semana del Arte, con una expo curada por Regina Favela, quien ya había colaborado conmigo antes y fue quien me introdujo a ellos. Sebastián es quien encabeza el espacio y lleva la autogestión; Luis es el curador en turno. Es una casa en restauración en San Miguel Chapultepec, con la idea de crecer con el tiempo hacia residencias de artistas. Hacen exposiciones cada dos meses, más eventos musicales, proyecciones y noches de micrófono abierto. Esta es la quinta exposición del espacio en el año. Necesitaba un espacio particular para hacer el primer gran formato: no podía instalarlo en cualquier pared, y aquí tienen un tragaluz que me permitió producir la pieza in situ y ver cómo funcionaba la luz durante los días.
Mencionas que tu práctica es una deconstrucción frente a sistemas epistemológicos dominantes. ¿Cómo se manifiesta esto en la pieza?
Hay un detalle que no sé si se nota en foto: la base es una fotografía de las bóvedas de la Catedral de Puebla, de donde soy. Soy muy consciente de que un sistema epistemológico que está en el ADN del mexicano es el catolicismo; aunque no profeso ninguna religión, sé que te cruza, aunque no creas en él. Había una frase muy dominguera que tenía correlación con la pieza: "todos son iguales ante los ojos de Dios", que no es cierto, porque la iglesia oprime a muchas minorías, como la diversidad sexual. Por eso hay un círculo hueco al centro de la pieza: cuando la luz cenital pega fuerte, se genera un círculo iluminado en el piso donde cabe una sola persona. Cualquiera que pase ahí está bienvenido el sol —es como esta idea de Dios, pero ante el sol le puede pegar a todo el mundo.
¿Qué esperas que experimente el espectador al enfrentarse a ella?
Me gusta esta cosa central de sentirte bienvenido, entender por encima, sin que sea tan obvio como lo de la iglesia. Depende mucho si la visitas de día o de noche: para mí la experiencia plena es de día, por la luz solar, que te ayuda a sentirte genuinamente alegre, es algo biológico. También hay texturas que en foto no se aprecian igual, y me gusta que el espectador se pierda en esos niveles, en cosas que van más allá del pigmento.
¿Qué referentes informan tu trabajo?
En la universidad me formé con una profesora francesa exalumna de Foucault, así que Foucault fue mi primera escuela, pensar desde el cuestionamiento y las estructuras de poder. Últimamente pienso también desde las ideas del cansancio de Byung-Chul Han. Ahora quiero girar mi práctica hacia algo más de investigación, más sociológico, pensarlo en números y porciones de la ciudad. Empiezo una residencia en Lagos el próximo agosto para explorar justamente esto.
¿Hay algo autobiográfico o político detrás de esta pieza?
En términos biográficos, lo de la iglesia en Puebla es el punto más puntual. En términos políticos, es un discurso antiodio frente a las políticas de xenofobia que se están presentando en muchos lugares del mundo: la idea de la comunidad antes de la diferenciación.
Carbonara ha presentado exposiciones individuales como Las formas del olvido, Paisajes cínicos y El algoritmo no es tu amigo además de participar en colectivas en México, París y Bruselas. El próximo agosto iniciará una residencia en Lagos.
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